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Eric Clement

Posted on July 24, '14 by Alexandra Jagodzinski.

When viewing the work of Eric Clement, there are waves of nostalgia and a strong sense of familiarity; however, the final product is a completely unique creation. An infusion of comic books, graffiti, childhood stock characters, and brand imagery permeates his work, and through a variety of mediums and installations, Clement contributes an unparalleled element to the Montreal art scene.


Excentris Mural, 2014


Clement’s work tends to present a variety of disjointed images that, when compiled, create a narrative or storyboard. These images may exist in separate components, such as in “Streets is Watching,” where the viewer has the creative freedom to connect the images and produce their own story. In “Bedtime Stories,” the images exist alongside each other on a single panel, producing a more linear story. Although Clement utilizes various mediums, both of these pieces are acrylic on wood panel.

The titles and themes in “Streets is Watching” comes from the lyrics of a New York MC, Thirstin Howl III.  Clement, who is also an MC and has been performing hip hop for nearly 13 years, finds that “the word play in hip hop translates really well into the realm of visual art, and it also tends to be fairly open-ended”. While he finds significant value in art that allows for the viewer to create an individual interpretation, Clement seeks to provoke certain questions, such as how much of our culture’s art takes place in the street? Does art in the street become increasingly about being in the public eye?

A infinite amount of interpretations could emerge from “Streets is Watching,” as some of the images appear to be completely random, such as the panel with a single die and the word “NO,” or the panel consisting of rocks and shrimp. Despite the imaginative and vague nature, the images are still rooted in a familiar reality.




"Streets is Watching"

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While “Streets is Watching” is relatively ambiguous, Clement had a more specific story when he created “Bedtime Stories.” Using visual story elements, the viewer is able to follow the narrative from image to image. Clement describes the piece as a story of mankind: “We evolve as a species; we spend our time on this planet in conflict; we improve and develop more effective technology to kill each other, but in the end, are we just fighting for a new beginning?” Visually, the work is inviting and playful, but it still contains additional layers of meaning that may slightly, or significantly, alter with each viewer.



"Bedtime Stories"

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With his studio located in his apartment, Clement is able to organically develop ideas from his home, despite being pretty sure that his artistic experiments are costing him on his damage deposit. Clement’s series typically grow from a simple idea that develop through an ongoing stream of consciousness, which he says occasionally “means [his] wife has to edit out the bad ones.” The resulting outcomes are distinct in their visual presence and thought-provoking in their underlying elements, in which Clement says he is “trying to have fun and mesh more anecdotal ideas with more complex editorial work.” Station 16 is thrilled to have Eric Clement’s work in the gallery and cannot wait to see what more is to come.




Lorsqu’on regarde les oeuvres d'Éric Clément, on ressent des relents de nostalgie et de familiarité; toutefois, le produit final est une création complètement unique. Une infusion réunissant la bande dessinée, le graffiti, les personnages de notre enfance et la typographie. À travers une variété de médiums, Clément amène un élément avant-gardiste sur ​​la scène de street art montréalaise.



Le travail de Clément tend à présenter une variété d'images qui, mises ensemble, créent une trame narrative. Ces images peuvent exister en tant que composantes séparées, comme on l’observe dans Streets Is Watching, où le spectateur a la liberté de connecter les images comme il le souhaite et ainsi produire sa propre histoire. Dans Bedtime Stories, les images cohabitent, côte à côte, sur un seul panneau et produisent donc une histoire plus linéaire. Bien que Clément utilise différents médiums, ces deux pièces sont composées d’acrylique sur bois.



Le titre de l’œuvre Streets is Watching est inspiré par les paroles d'un MC de New York, Thirstin Howl III. Clément, qui est également MC ainsi que performeur hip-hop depuis presque 13 ans, affirme que « le jeu de mot dans le hip-hop se traduit très bien dans le domaine des arts visuels et il a aussi tendance à être assez ouvert. » Alors qu'il trouve une valeur significative dans l'art qui permet au spectateur de créer son interprétation personnelle, Clément cherche à provoquer certaines questions chez celui-ci, telles que : quelle part de l'art de notre culture a lieu dans la rue? Est-ce que le street art est principalement dédicacé au public qui le voit ou est-il fait simplement grâce à la volonté artistique de son créateur?



Détail de "Street is Watching


Une panoplie d’interprétations peut émerger de Streets is Watching, dont plusieurs des images présentées paraissent être complètement aléatoires, comme, par exemple, la partie où l’on peut lire le mot « NO », ou encore celle où l’on retrouve des roches et une crevette. Malgré la nature imaginative de l’intégration de ces éléments disparates à la composition, ces images sont enracinées dans une réalité qui nous semble familière.


Détail de "Streets is Watching"


Alors que Streets is Watching se veut relativement ambigüe, Clément a une histoire plus spécifique en tête quand il crée Bedtime Stories. Grâce aux divers éléments de la trame narrative visuelle de l’oeuvre, le spectateur est capable de suivre l’histoire d’image en image. Clément décrit cette œuvre comme étant une histoire de l'humanité: « Nous évoluons comme une espèce; nous passons notre temps sur cette planète en conflit; nous améliorons et développons une technologie toujours plus efficace pour tuer l'autre, mais à la fin, luttons-nous simplement pour un nouveau commencement? » Visuellement, le travail de l’artiste est invitant et ludique, mais il contient également des niveaux plus profonds de signification, ces derniers variant selon l’interprétation du spectateur.




Ayant son atelier au cœur de son appartement, Clément débute généralement ses séries par une idée simple qui se développe grâce à un flux continu d’imagination, dont les « mauvaises idées sont filtrées par sa femme ». Les résultats sont distincts dans leur présence visuelle et intrigants dans leurs composantes sous-jacentes. Clément dit qu'il « essaie d’avoir du plaisir et de mixer des idées anecdotiques avec du travail plus complexe. » La galerie Station 16 est ravie d’exposer des oeuvres d'Éric Clément et est impatiente de voir ce que l’artiste lui réserve pour le futur.


The Bomarr Blog: Soundtracks to Street Art

Posted on August 08, '14 by Alexandra Jagodzinski.

While street artists tend to keep their personal lives private, the Background Noise series on the Bomarr Blog adds another dimension to the identity of street artists: their favorite music. The series features weekly interviews with street artists along with a curated playlist by the respective artist. For street art fans like us, this is one of the coolest blog ideas we have come across. Over the past 10 months, the blog has featured a number of Station 16 artists, including Stikki Peaches, Enzo & Nio, gilf!, with the latest edition highlighting Whatisadam.


Bomarr, a.k.a  Matt Valerio, is the brains behind the project. Alongside his strong interest in art, Valerio`s passions reside in music. As a beatmaker, remixer, and DJ, Valerio has worked in bands and solo projects. We recently had the pleasure of interviewing Valerio to learn more about himself and the Bomarr Blog.



Can you tell me about your background?

I was born in Massachusetts in the late 70s, grew up in a very small town (pretty much a “village”) in New Hampshire. I then spent 10 years in the San Francisco Bay Area before moving back east with my now wife.

How did you come up with the idea for the Bomarr Blog?

Well, the Bomarr Blog has been going for years. It’s taken from my “music name” that I record under, which is Bomarr. It started out as just an mp3 blog that I would post a new song that I liked every weekday. I was pretty consistent with it for a while and developed a little bit of a cult following with it. After a while, I started branching out and including some more art-centric content, and late last year, I came up with the idea for doing the Background Noise series, and launched the first episode in November.

How do you find the artists to interview?

All of the artists I’ve asked have been artists whose work I admire, and I’m constantly thinking of new people to ask because there are a lot of folks out there doing really interesting things right now. The first few I had done were with people I either already knew, or had corresponded in some form or another with. Royce Bannon was the first episode I did. I had met up with him to purchase a hand-made shirt a while back, and I knew he was into music, so I just figured I’d present the idea to him and see if he was down. He was. I then asked my friend OCMC, who in turn hooked me up with gilf! and it sort of started to snowball from there. I’d get in touch with people through friends of friends, and sometimes just reach out via comments on Instagram. Once I got people like Futura, C215, Stinkfish, RAE, I seemed to have an even easier time getting people on board. And now that I have Blek Le Rat and Paul Insect involved, that’s really helping as well.

Who have been some of your favorite artists to interview?

That’s sort of a tough one to answer. I don’t know that I have a favorite, to be honest. It’s just fascinating to me to read how different everyone’s answers to the questions are. Honestly, I think EVERYONE has had great taste in music so far. Hard to pinpoint just one. I listen to every genre of music, so I love them all. They’re all very unique in their own way. Brandon Sines’ mix is the perfect workout mix or the perfect soundtrack to an 80s movie filled with training montages. EKG’s is filled with brain-pummeling metal, Dane Rex’s with 30+ classic punk songs. Hansky’s is the longest, clocking in at almost 2 hours, starts with Miley Cyrus’s “We Can’t Stop” and ends with songs by New Order and Talking Heads. They’re all amazing.

Who are some of your favorite artists?

A lot of these people ARE my favorite artists. It’s hard to pinpoint exactly what style of art I gravitate towards. I tend to like the weird shit and also love art that doesn’t take itself TOO seriously.  Some artists that are still very high on my wishlist for this project are: Neckface, Ron English, Faile, Sheryo & The Yok, Raymond Pettibon, Douglas Kolk, Swampy, David Shrigley, Theo Rosenblum, Trustocorp, Katsu, Dark Clouds, ROA, Robert Janz, Bast, Kaws, Cash 4, Narcissister, Paul Richard, Jim Joe.

What other projects are you working on?

I am currently working on a project with this dude N8NOFACE (pronounced Nate No Face), and I’m very excited about their stuff. We just put out a 7” on my friend’s label Hallowed Articles.

Some funny/weird promo vids for the 7” here.

Musically, I love everything. Most frequently on rotation is usually something minimal synthy, old school soul, 60s/70s psych rock, hip hop, cheesy 80s stuff. I’m a sucker for both Cat Stevens and Gary Numan. Neutral Milk Hotel, John Maus, Aphex Twin, Harry Nilsson, so much stuff….

In addition to checking out The Bomarr Blog, follow Matt on any or all of his 4 Instagram accounts:


@cultofjoe (devoted to the work of Jim Joe)

@rdiobscurities (his bad album cover blog)




Le Bomarr Blog : des bandes sonores pour le Street Art


Alors que les artistes de street art veulent garder privée leur vie personnelle, les séries Background Noise  sur Bomarr Blog ajoutent une nouvelle dimension à l’identité de ces artistes : leur musique préférée. On y présente, de façon hebdomadaire, des entrevues avec des artistes urbains ainsi qu’une liste musicale préparée par l’artiste en question. Les fans de street art que nous sommes pensent qu’il s’agit d’une idée géniale ! Au cours des 10 derniers mois, le blog a proposé des entrevues avec plusieurs artistes représentés par Station 16, incluant Stikki Peaches, Enzo & Nio, gilf !, tandis que la dernière édition met en lumière le travail de Whatisadam.  


Bomarr, ou Matt Valerio, est le cerveau derrière ce projet. Ayant un puissant intérêt pour l’art, la passion ultime de Valerio réside dans la musique. En tant que producteur, mixeur et DJ, il a travaillé au sein de groupes ainsi que sur des projets en solo. Nous avons récemment eu le plaisir de l’avoir en entrevue, en vue d’en savoir plus sur lui mais aussi sur Bomarr Blog.


Peux-tu m’en dire plus sur ton parcours ?


Je suis né dans le Massachussetts vers la fin des années 70 et j’ai grandi dans une très petite ville (que l’on pourrait qualifier de village) au New Hampshire. Puis, j’ai passé 10 ans dans la baie de San Francisco avant de retourner à l’est avec celle qui est maintenant ma femme.


Comment t’es venue l’idée de Bomarr Blog ?


En fait, Bomarr Blog fonctionne depuis des années. Son titre provient de mon propre nom de musicien, qui est Bomarr. Tout cela a simplement commencé sous la forme d’un blog « mp3 » sur lequel je publiais une nouvelle chanson que j’aimais, et ce à chaque jour de la semaine. J’étais très assidu à cette tâche et j’ai ainsi développé un auditorat avec cela. Après un moment, j’ai ressenti le besoin d’aller vers de nouvelles avenues en incluant du contenu plus centré sur les arts, et tardivement l’année dernière, j’en suis arrivé à l’idée de faire la série Background Noise, dont j’ai lancé la première édition en novembre dernier.


Comment trouves-tu les artistes à interviewer ?


Tous les artistes auxquels j’ai demandé la collaboration étaient des personnes dont j’admirais le travail et je pense constamment à de nouveaux artistes avec lesquels travailler. Royce Bannon a fait l’objet de mon premier billet de blog sur le sujet. Je l’avais auparavant rencontré pour acheter un chandail fait à la main et je savais qu’il oeuvrait dans le domaine de la musique, donc j’ai simplement eu l’idée de lui présenter mon projet et de voir s’il était partant, ce qui fut le cas ! Par la suite, j’ai demandé à mon ami OCMC, qui m’a mis en contact avec gilf !, et cela a, en quelque sorte, fait démarrer l’effet boule de neige. J’allais entrer en contact avec des gens par l’entremise des amis de mes amis, et parfois simplement par le biais de commentaires sur Instagram. Une fois que des noms tels que Futura, C215, Stinkfish et RAE, se soient montrés intéressés, il semble que j’aie eu encore plus de facilité à ajouter de nouveaux artistes à mon « tableau de chasse ». Maintenant que Blek Le Rat et Paul Insect sont impliqués, c’est d’autant plus facile pour moi.


Quels artistes ont été tes favoris à interviewer ?


C’est une question difficile. Pour être honnête, je ne pense pas avoir de favori. C’est seulement fascinant pour moi de constater combien tous ont des réponses différentes à mes questions. Je pense sincèrement que TOUS ont de bons goûts musicaux. Il est difficile d’en pointer un seul. J’écoute tous les styles de musique, donc je les aime tous. Ils sont tous unique à leur façon. Le mix de Brandon Sine se veut une parfaite liste pour l’entraînement ainsi qu’une bande sonore parfaite pour un film des années 80. La liste de EKG est remplie de métal qui déménage, tandis que celle de Dane Rex comprend plus de 30 classiques de la chanson punk. Celle de Hanksy est la plus longue, durant presque 2 heures, commençant avec la chanson « We Can’t Stop » de Miley Cyrus et se terminant avec des classiques de New Order et Talking Heads.


Qui sont tes artistes préférés ?


Beaucoup de ces gens que j’ai passés en entrevue en font partie. Il est difficile de pointer exactement quel style artistique j’affectionne le plus. J’ai tendance à aimer les choses bizarres mais aussi l’art qui ne se prend pas trop au sérieux. Néanmoins, les artistes suivants sont positionnés très haut sur ma liste de souhaits par rapport à ce projet qu’est Background Noise : Neckface, Ron English, Faile, Sheryo & The Yok, Raymond Pettibon, Douglas Kolk, Swampy, David Shrigley, Theo Rosenblum, Trustocorp, Katsu, Dark Clouds, ROA, Robert Janz, Bast, Kaws, Cash 4, Narcissister, Paul Richard, Jim Joe.


Sur quels autres projets travailles-tu ?


Je travaille présentement sur un projet avec N8NOFACE (il faut prononcer Nate No Face), et je suis très excité par leurs trucs. Nous venons tout juste de lancer un vinyle 7 pouces sous l’étiquette d’un ami, Hallowed Articles.


Musicalement, j’aime tout. Ce que j’écoute le plus fréquemment est habituellement quelque chose comme du « minimal synthy »,  du vieux soul, du psych rock des années 60 et 70, du hip-hop et des trucs quétaines des années 80. J’adore à la fois Cat Stevens et Gary Numan. Neutral Milk Hotel, John Maus, Aphex Twin, Harry Nilsson, tellement de choses…


En plus du Bomarr Blog, vous pouvez suivre Matt sur ses quatre comptes Instagram :



@cultofjoe (dédié au travail de Jim Joe)





Kashink et la Banque Nationale : une association qui affiche ses couleurs

Posted on August 08, '14 by Sabrina Desjardins.
L’artiste française Kashink, en collaboration avec Banque Nationale, a tout récemment réalisé une œuvre que l’on peut qualifier de peu commune. Place à une initiative qui nous en fait voir de toutes les couleurs, et ce, pour une bonne cause!


En guise de soutien à la communauté LGBT, Kashink a été invitée à graffiter une voiture ancienne. Fidèle à son style unique, elle a orné l’automobile datant de 1948 de couleurs vives et éclatantes. Le résultat final se veut, qui plus est, imprégné d’une indéniable gaieté, comme on peut l’observer dans cette courte vidéo produite pour l’occasion.



L’oeuvre sera soumise à une vente aux enchères à la galerie Station 16. Les profits générés par cette vente seront ensuite généreusement remis à la fondation Émergence, dont le mandat est d’appuyer l’égalité et l’aisance sociale des gais, lesbiennes, bisexuels et transgenres.


Kashink est l’une des artistes françaises les plus actives présentement dans le milieu du street art. Elle est reconnue pour son port de la moustache, ainsi que pour ses nombreuses murales inspirées du mouvement Pop Art et de l’illustration narrative, qu’on retrouve aux quatre coins du globe. En effet, on retrouve la plupart du temps de petites phrases au sein de ses compositions aux personnages fichés d’une double paire d’yeux.



Bénéficiant d’une visibilité enviable grâce à son travail dans l’espace urbain, l’artiste en profite pour faire passer des messages engagés en regard des causes qui lui sont chères, tels que l’égalité des droits pour les hommes et les femmes, l’homosexualité et la religion. Ce projet présenté par Banque Nationale colle donc parfaitement aux valeurs libérales de Kashink, tout en contribuant à la valorisation des arts dans la métropole.


Joignez-vous à nous le 21 août dès 13h pour faire la première mise! Pour en savoir plus sur comment participer à l’enchère, visitez ou prenez directement contact avec notre équipe au 514-849-8016. Faites votre offre et l’œuvre pourrait être à vous !


Vernissage - Le Diamantaire: Artiste Urbain de Paris

Posted on August 02, '14 by Alexandra Jagodzinski.

After covering the city with his diamonds during the 2014 MURAL festival, Station 16 Gallery is pleased to present Le Diamantaire in his first solo show in North America. Le Diamantaire works with discarded mirrors, reshaping the scrapped material into a unique form of street art. Each diamond is hand-cut and painted into various sizes and colors, leaving no two diamonds alike. The opening reception for "Le Diamantaire: Artiste Urbain de Paris," will take place on August 7th from 6-9pm and will run through the 28th of August. 


The work of Le Diamantaire stands out from other street and graffiti artists: he has created a new genre of street art that is eclectic and dazzling. Referring to himself as a "street jeweller," the diamonds decorate the streets. The urban jewellery can be found all throughout Paris, Barcelona, Zurich, and now Montreal. By utilizing discarded materials, Le Diamantaire transforms waste into an object of beauty that is designed to be a gift to the city. The diamond, in its simplicity and elegance, acts as a universal symbol of luxury, and Le Diamantaire aims to use this motif as an enhancement to the city streets.



Although Le Diamantaire primarily produces the simple diamonds typically found on the streets, he also creates more extravagant, but still diamond-centric, pieces. These pieces include diamonds placed in cement, mounted on wood, and other mediums that strongly juxtapose from the elegance of the diamond. 


Diamant sur bois  


Station 16 Gallery is thrilled to represent Le Diamantaire for his first exhibition in North America. Please join us on August 7th at 6pm, or throughout the month of August, to view the spectacular work of the Parisian artist. 




La galerie Station 16 est heureuse de présenter la première exposition solo du Diamantaire en Amérique du Nord, après que celui-ci ait parsemé ses diamants partout dans la ville de Montréal durant le festival MURAL 2014. Le Diamantaire travaille avec des miroirs jetés, modulant ces derniers et les transformant en une forme de street art inédite. Toutes les pièces sont coupées à la main et arborent différentes tailles et couleurs, il n’y a ainsi aucun diamant qui soit identique à un autre. Le vernissage de l’exposition Le Diamantaire : Artiste Urbain de Paris aura lieu le 7 août de 18h à 21h et celle-ci se tiendra jusqu’au 28 août prochain.


L’art du Diamantaire se démarque de celui des autres artistes urbains : il a créé un street art nouveau genre qui se veut éclectique et éblouissant. Se décrivant comme un bijoutier de la rue, il orne de ses créations les villes dans lesquelles il séjourne. Ses bijoux urbains peuvent êtres aperçus un peu partout dans Paris, Barcelone, Zurich et maintenant Montréal. En utilisant du matériel ayant été jeté, Le Diamantaire transforme des rebuts en de beaux objets, qu’il qualifie de cadeaux qu’il offre à la ville et à ses habitants. Le diamant, de par sa simplicité et son élégance, agit à titre de symbole universel de luxe,  Le Diamantaire se sert donc de ce motif pour embellir les rues.



Même si Le Diamantaire produit principalement des diamants à l’allure assez simpliste (ceux qui ornent habituellement les rues), il crée également des pièces plus extravagantes, qui sont tout de même centrées sur la forme du diamant. Ce deuxième type d’objets fabriqués par l’artiste recoupe des pièces intégrées dans du ciment, montées sur bois et apprêtées à d’autres médiums qui créent un patent contraste par rapport à l’élégance du diamant.


 Diamant et Ciment 


La galerie Station 16 est ravie de représenter Le Diamantaire à l’occasion de sa première exposition en Amérique du Nord. Vous êtes invités à vous joindre à nous le 7 août à partir de 18h, ou encore durant tout le mois d’août, pour admirer le travail spectaculaire de cet artiste Parisien. 



Check out Le Diamantaire at work!




A Global Street Art Story: SERBIA

Posted on July 31, '14 by Alexandra Jagodzinski.

For the latest edition of A Global Street Art Story, Station 16 Gallery is excited to announce that Sobekcis is representing Serbia. Sobek and Kcis, twins who form the artist duo, use a combination of the figurative and abstract to create dramatic street art that is quickly gaining an international following.



While the idea of twins forming an artist group is not necessarily new, it is a rarity. Sobek and Kcis each emerged into the world of graffiti individually by creating their own tags; however, they soon began to work together. The twenty-two year olds began in 2005/2006 after noticing the graffiti in their neighborhood. What began as a hobby developed into "the driving force for our lives: a source of income, a way to see the world, a constant source of experiences," describe the brothers. 



The outcome is an organic fusion of each of their styles. The collaboration process changes with each project, as they are aware of their respective strengths and weaknesses. While many do not see the differences in the way each one works, "there is a vast difference in the way we approach the same problem. We have learned to synthesize our approaches to build a single image," says Sobekcis. The art of Sobekcis is primarily abstract while still combining figurative elements, geometric designs, and typography to create unique designs. 



Sobekcis is also a part of two different crews: Heavy Artillery, an international group that they joined 4 years ago, and VAR, a smaller crew oriented around Serbian writers. Having already gained substantial recognition, and being referred to as the  "Os Gemeos of the Balkans," we cannot wait to see what the future holds for Sobekcis. 




We are thrilled to present Sobekcis' print for A Global Street Art Story. Find the print online at 





Pour la dernière édition de A Global Street Art Story, la galerie Station 16 est heureuse d'annoncer quec’est le collectif Sobekcis qui représentera la Serbie. Sobek et Kcis, qui forment le duo d’artistes, combinent harmonieusement figuration et abstraction pour créer des pièces uniques qui atteignent rapidement une visibilité internationale.


Bien que le concept de jumeaux formant un groupe d’artistes ne soit pas nouveau, c’est tout au moins un phénomène peu commun. Sobek et Kcis ont émergé dans le monde du graffiti de façon individuelle, par le biais de la création de leurs propres tags. Ils ont néanmoins commencé à travailler ensemble rapidement. Ils ont débuté leur partenariat en 2005-2006 après avoir remarqué la présence de graffitis dans leur quartier. Ce qui était au départ un hobby est ensuite devenu « la motivation d’une vie, une source des revenus, une façon de voir le monde ainsi qu’une source constante d'expériences nouvelles, » mentionnent les frères.



Le résultat de leur travail collectif s’incarne en la fusion organique de leur style respectif. Leur processus collaboratif diffère dans chaque projet, parce qu’ils reconnaissent leurs forces et leurs faiblesses respectives.  Bien que beaucoup de personnes ne distinguent pas les éléments différenciant le style de chaque frère, il y a, selon eux, une grande différence dans la façon dont ils abordent le même problème. « Nous avons appris à synthétiser nos approches pour former une seule image fluide, » dit Sobekcis. L’art de ce duo se veut principalement abstrait, mais celui-ci y combine des éléments figuratifs, du dessin géométrique et de la typographie, dans le but de créer des designs uniques.  




Sobekcis fait également partie de deux troupes autres: Heavy Artillery, un groupe international que les jumeaux ont rejoint il y a 4 ans, et VAR, une petite équipe dont la pratique gravite autour d’écrivains serbes. Le duo Sobekcis, étant surnommé le « Os Gêmeos des Balkans », a déjà acquis une reconnaissance notable et on est impatient de voir ce que l’avenir réserve à cette paire d’artistes.  



La galerie Station 16 est heureuse de vous présenter la sérigraphie de Sobekcis pour A Global Street Art Story. Celle-ci sera disponible sur ​​


Garbage Beauty #Brilliantworks

Posted on July 29, '14 by Alexandra Jagodzinski.

Garbage Beauty, a group of Montreal street artists, recently took part in Brilliant Works, a project established by Vitaminwater. By utilizing unconventional channels, Brilliant Works features various artistic endeavors in order to “make everyday life brilliant.” Garbage Beauty, evident through their name, is doing just that: transforming everyday trash into something beautiful and collectible.


Comprised of four artists, Garbage Beauty works with common objects that are literally thrown out and found in the street. Through calligraphy and word play, Garbage Beauty applies clever messages upon their spontaneously found objects.  After transforming the household items into a form of street art, the group leaves the objects where they were found.  By abandoning the art, the transformed object becomes a gift to the public, available to any passerby.


While the majority of Garbage Beauty’s work is found on the streets, they have print work available at Station 16 Gallery, which often comments on the distinction between street art and the art that is found in a gallery setting. For example, “The Show is Outside” is a typography piece that ironically highlights that the “real” show is not found in a gallery.  Even though their print work, Garbage Beauty emphasizes the creative power found within everyday objects and moments.

Find more Garbage Beauty prints here

Check out more of what Garbage Beauty is doing through the latest episode of Brilliant Works, created by our friends at Free Agency.




Garbage Beauty, un groupe d’artistes de street art de Montreal,  a récemment participé à Projets Brillants, une initiative créée par Vitaminwater. En utilisant des méthodes non conventionnelles, Projets Brillants présente diverses activités artistiques qui visent à « rendre la vie quotidienne brillante. » Le collectif Garage Beauty, comme on peut le déduire par leur nom, fait exactement ça: il transforme les déchets de tous les jours en quelque chose de beau.

Trouvez plus de Garbage Beauty ici


Composé de quatre artistes, Garbage Beauty travaille avec des objets communs trouvés dans la rue. Avec la calligraphie et le jeu de mot, le collectif inscrit des messages intelligents donnant un nouveau sens et une nouvelle utilité aux objets. Après avoir été transformés, les articles sont laissés où ils ont été trouvés. En abandonnant l'art, celui-ci devient un cadeau fait au public, accessible à tous.



Bien que la majorité des oeuvres de Garbage Beauty se trouvent dans les rues, ils ont aussi des sérigraphies disponibles à la galerie Station 16, qui sont souvent des commentaires formulés par rapport à la distinction entre le street art et l'art qu'on retrouve en galerie. Par exemple, "The Show is Outside" est une sérigraphie qui souligne ironiquement que le street art « réel » ne se trouve pas en galerie. Dans l’ensemble de leur travail, les membres de Garbage Beauty soulignent la créativité par le biais d'objets tirés de la vie quotidienne.


Découvrez-en plus sur Garbage Beauty en visionnant le dernier épisode de Projets Brillants, créé par nos amis de chez Free Agency.


Mathieu Connery: vers une abstraction interactive

Posted on July 23, '14 by Alexandra Jagodzinski.

par Sabrina Desjardins


Mathieu Connery retient l’attention avec son style minimaliste abstrait hors du commun. L’artiste, qui faisait partie de la programmation du festival MURAL 2014, a réalisé une œuvre au sol pour l’occasion. Usant d’une approche non-traditionnelle dans le milieu du street art, il diversifie les techniques ainsi que les textures dans ses différentes œuvres tout en conservant le même style, et c’est ce qui, selon lui, constitue sa signature.


Le style abstrait de cet artiste montréalais dérive de ses goûts personnels ainsi que de l’évolution de ceux-ci. Mathieu Connery s’adonnait auparavant à la figuration, mais son art s’est peu à peu mué en de l’abstraction. On retrouve tout de même, dans ses œuvres récentes, des éléments figuratifs. La palette de couleurs qu’il appose à ses œuvres se veut très minimaliste et constituée de couleurs primaires, ce qui permet de créer un certain équilibre entre les différentes formes de ses compositions. Il privilégie les motifs géométriques, car il les trouve plus faciles à intégrer à leurs surfaces environnantes. Connery joue beaucoup avec les éléments qui jouxtent l’espace de ses œuvres, il tente le mieux qu’il peut d’assimiler ceux-ci à ses créations. Pour lui, le fait d’inclure les structures de la ville à son art fait beaucoup de sens.


Boulevard Saint-Laurent

Ses œuvres occupent l’espace urbain de diverses manières. Par exemple, il réalise des murales, mais il fait également des œuvres qui ornent les trottoirs. En exploitant de cette façon les structures urbaines, l’artiste donne à son oeuvre une dimension des plus interactives, puisque les passants marchent directement sur celle-ci, ils en ont ainsi une vue à vol d’oiseau, ce qui donne lieu à une panoplie d’interprétations. Néanmoins, il ne décide pas d’avance des pièces qui seront destinées à être exposées sur le trottoir : tout dépend de la composition visuelle finale qu’arbore l’oeuvre. Si celle-ci a le potentiel d’être affichée par terre, l’artiste adapte le tout à cet effet. Mathieu Connery tente de faire des projets spéciaux tout en disposant le plus simplement possible les éléments dans l’oeuvre. Il utilise toujours des techniques et des textures visuelles différentes. Par exemple, les pièces qu’il a fait qui ornent les trottoirs sont toutes en trois dimensions, mais cet effet de relief diverge d’œuvre en œuvre. Parfois ce sont simplement des lignes apposées sur le trottoir mais il fait d’autre part de la gravure à même le sol. Ainsi, ses différentes œuvres s’articulent sous deux perspectives : certaines semblent creusées dans le trottoir, tandis que d’autres semblent plutôt bombées.


Boulevard Saint-Laurent

L’interaction est très importante dans le processus créatif de l’artiste. Le récit d’une petite anecdote s’impose dans le but de corroborer ce fait. Il y a quelques temps, Mathieu Connery a réalisé une affiche qui présentait deux personnages, dans un panneau publicitaire vacant. Lorsqu’il est revenu sur les lieux, après quelques temps, il a remarqué sur son oeuvre plusieurs « tags » qui avaient été faits par des passants. Il a donc décidé de continuer l’œuvre en incluant ces nouveaux éléments créés. Il a par la suite répété cette expérience à une autre reprise, toujours en créant à partir des traces laissées par les passants. L’art de Mathieu Connery est ainsi constamment alimenté par un profond esprit d’interaction.


Boulevard Saint-Laurent

L’artiste a récemment réalisé une sérigraphie pour la galerie Station 16. Celle-ci présente une forme qui s’apparente à un vase, un sablier ou encore à un buste. Il s’agit d’un semblant de combinaison entre deux triangles, deux éléments simples qui, fusionnés, donnent à l’œuvre une signification abstraite. Ces formes sont ensuite balancées par d’autres éléments pour donner un rythme à l’ensemble. Cette sérigraphie arbore un motif de pierre, puisque l’artiste est très intéressé par les textures de marbre et de pierre, c’est ainsi ce qu’il tente d’appliquer à cette œuvre. Éventuellement, Connery a comme projet de transposer cette sérigraphie au sol, mais cela demeure pour l’instant au stade de l’idée.

En outre, l’artiste a fait partie de l’édition 2014 du festival MURAL, qui s’est tenu du 12 au 15 juin prochains à Montréal. Il est l’un des rares porte-étendards de l’art abstrait au sein de ce festival, ce qui a fait de lui un artiste singulier pour l’événement. Il y a réalisé une œuvre au sol, ce qui apporte à celle-ci une dimension interactive hors du commun avec les passants, qui sont interpellés par l’œuvre de façon immersive. Pour Connery, MURAL constitue une tribune pour les artistes de street art, un événement qui favorise les découvertes ainsi que les rencontres de tous genres. Également, l’expérimentation était de mise durant ces trois jours, ce qui est très favorable au type d’art que pratique Mathieu Connery. D’autre part, l’artiste participera, plus tard cet été, au festival « Art in the Open » qui se déroulera au Confederation Centre of the Arts à l’Île-du-Prince-Édouard. Il espère, dans les prochaines années, que le street art prenne d’assaut le Musée d’art contemporain de Montréal, ce qui donnerait aux artistes la possibilité de réaliser des œuvres plus expérimentales et ce, dans un cadre institutionnel.


Mathieu Connery's work naturally commands attention with his minimalist, abstract style. The artist, who took part in the 2014 MURAL festival, created numerous works on the sidewalks of Saint Laurent Boulevard. With a non-traditional approach to street art, he diversifies his techniques and textures while maintaining a cohesive style.

The abstract style of the Montreal artist derives from his personal taste. Although Connery previously worked in figuration, he has gravitated more towards abstraction. Despite the strong abstract quality, traces of figuration are still found in his work.  Due to the ease of integrating geometric patterns into environmental surfaces, he has developed a preferences for such shapes.  Connery incorporates the adjacent elements within his work, making his art an inherent element of the city.

Saint Laurent Boulevard 

His street art manifests in a variety of manners. In addition to traditional murals, his work on sidewalks is an approach that allows for a unique interaction with the viewers. Accordingly, he does not plan the precise composition of each work; rather, he allows for the elements of his environmental landscape to dictate the final outcome. Although he consistently utilizes simply shapes and elements, he aims to incorporate a unique aspect into each project. For example, his sidewalk work may have a three-dimensional quality, or they may appear as an engraving. Nevertheless, he manipulates the perspective, and thus the final product, of each project.

Saint Laurent Boulevard 

The interaction between himself, his art, and others is an essential component to the artistic process. Highlighting this fact is an experience when Connery made a poster featuring two characters in a vacant billboard. When he returned to the scene at a later time, several tags had been made added. He decided to continue the work by assimilating the tags into the work. He repeated this experiment with another cover, always taking inspiration from the traces left by others.

Saint Laurent Boulevard 



Mathieu Connery recently created an exclusive print for Station 16, available in the gallery and online. Although existing as a two-dimensional print, his work appears to both invert and protrude from the frame. Additionally, a stone-like pattern adorns the center shape, serving as a  reference to his works created on the road.  The asymmetrical, 5-color print has a strong sense of balance, despite the diverse shapes, colors, and textures. 


Check it out here.



Instagrafite reaches 1,000,000 followers on Instagram!

Posted on July 16, '14 by Alexandra Jagodzinski.

 This weekend marks an outstanding achievement for our partner Instagrafite: 1,000,000 followers on Instagram! To celebrate, Station 16 Gallery is having a limited-time promotion on our Instragratite t-shirts. For this weekend only, buy one Instagrafite t-shirt online, and get the second one free! Plus, we’ll throw in a bunch of awesome stickers, thanks to our friends at Stickerapp.

Check out the t-shirts here:

If you are not familiar with the Brazilian organization, Instagrafite is one of the largest online platform for sharing street art from across the world. As a virtual art gallery, Instagrafite aids in networking artists with the market and providing additional artist support, all while also working on their own creative projects. Not to mention, they have a pretty sick Instagram account too. With multiple posts each day, each picture gains tens of thousands of Likes. Instagrafite is placing an international spotlight on the best street art, from both established and emerging artists, and based on their impressive amount of followers, it is clear they are doing something right.

Kevin Ledo-  Buffalo Creek, West Virginia, USA (post from @instagrafite)


Cette fin de semaine marque une réalisation exceptionnelle pour notre partenaire Instagrafite: 1.000.000 d’abonnés sur Instagram! Pour fêter ça, la Galerie Station 16 fera une promotion sur les t-shirts Instragratite. Ce samedi et dimanche seulement, achetez un t-shirt Instagrafite en ligne, et obtenez le deuxième gratuitement! De plus, nous incluerons des autocollants, grâce à notre ami Stickerapp.


Trouvez les t-shirts ici:




Enzo & Nio - Montréal, Canada  (photo par @instagrafite)


Si vous ne connaissez pas l'organisation brésilienne, Instagrafite est l'une des plus grande plateforme en ligne pour le partage d’art urbain à travers le monde. Telle une galerie d'art virtuelle, Instagrafite aide les artistes à exposer leurs oeuvres et projets créatifs. Nous adorons leur compte Instagram!  Avec plusieurs photos chaque jour, chaque image gagne des dizaines de milliers de “J’aime”. Instagrafite présentent le meilleur de la culture street art, autant d’artistes établis qu’émergents. Vous n’avez qu’à regarder la quantité d'abonnés qu’ils ont pour voir qu'ils font quelque chose de bien!

Rone - Londres, Angleterre (photo par @instagrafite)


50 Cakes of Gay

Posted on July 09, '14 by Alexandra Jagodzinski.


“50 Cakes of Gay” began in Paris during December 2012, after protests broke out in reaction to gay marriage debates. While aggressive actions occurred in the Parisian streets, Kashink produced a visual and public display of support through her spray can by creating a giant mural of a gay couple and their wedding cake. This led to the idea for the “50 Cakes of Gay” mural, which would display a series of wedding cakes in bright hues with her signature playful characters. Kashink aims to promote a positive message surrounding gay marriage and, therefore, willingly creates the murals free of charge. With the project’s roots in France, Kashink has extended the murals to be worldwide, painting her cakes in Los Angeles, Miami, Vienna, Athens, Berlin, Estonia, Morocco, Britain, and now Montreal.

Bernard Plante in front of Kashink's 50 cakes of gay mural

The wall has additional significance for the city as it also celebrates the 30 year anniversary of Fugues, a free gay and lesbian magazine published in Montreal. The mural adorns the outer wall of Fugues’ office building, which is located in the Village, and contains exactly 30 cakes to commemorate the anniversary. Bernard Plante, (known as the Mayor) of Montreal’s Gay Village, saw Kashink’s project as a natural choice for the Village. Her involvement with the recent Mural Festival and her adamant support of gay rights sparked the idea of the mural, leading to its rather spontaneous creation. Plante is very excited about the artistic addition to the Village and loved working with Kashink.

The whimsical mural inhabits the space perfectly. Although the Village is not highly covered in street art, the artistic energy of the neighborhood--from les boules roses above Ste. Catherine, to the painted flower pots along rue Amherst, to the eclectic crowd that walks the streets-- enables Kashink’s mural to thrive in the Village.

50 Cakes of Gay from Charles Devoyer on Vimeo.


Après sa présence fortement médiatisée lors du Festival Mural, Kashink continue de décorer les rues de Montréal. Kashink a apporté son initiative mondiale « 50 Cakes of Gay » à Montréal, au coeur du Village gai, en y créant une murale au coin des rues Amherst et Sainte-Catherine. 


« 50 Cakes of Gay » a commencé à Paris en décembre 2012, après que des protestations aient éclaté en réaction à des débats sur le mariage gai. Alors que l'insurrection avait lieu dans les rues parisiennes, Kashink a produit, à l’aérosol, une murale géante présentant un couple gai et leur gâteau de mariage. Cela fut la genèse des murales « 50 Cakes de Gay », qui affichent des séries de gâteaux de mariage dans des couleurs vives ainsi que des caractères de calligraphie, qui composent, en quelque sorte, sa signature. Kashink vise à promouvoir un message positif en regard du mariage gai et, par conséquent, elle crée ces murales gratuitement. Les racines du projet ont germé en France, mais depuis Kashink a étendu son concept au monde entier, peignant ses gâteaux à Los Angeles, Miami, Vienne, Athènes, Berlin, en Estonie, au Maroc, en Grande-Bretagne et maintenant Montréal.


La murale porte une signification supplémentaire pour la ville de Montréal, puisque celle-ci est apposée à un mur extérieur de l'espace du magazine Fugues, qui célèbre cette année son trentième anniversaire. Il s'agit d'un magazine gai et lesbienne gratuit qui est publié et distribué à Montréal. La murale contient exactement 30 gâteaux pour commémorer l'anniversaire. Bernard Plante, connu comme étant le maire du Village, a vu le projet de Kashink comme un choix naturel pour le Village. Sa participation au Festival Mural et son soutien face aux droits des homosexuels a suscité l'idée de la murale ainsi que sa création, qui s'est voulue plutôt spontanée.


La murale de Kashink habite parfaitement l'espace. Bien que le Village n’affiche pas beaucoup de street art, l'énergie artistique du quartier - qui, l'été, est délimité par des boules roses surplombant la rue Sainte-Catherine et dont la foule éclectique bénéficie d'un espace piétonnier - permet à la murale de Kashink de prospérer au sein de cet endroit mythique de Montréal.





Murale sur Marie-Anne et Saint-Dominique (Montréal) 

(Article continues in french only)

par Sabrina Desjardins 


Les débuts

Il a d’abord peint en s’inspirant fortement du vocabulaire des grands courants artistiques tels que l’impressionnisme, l’hyperréalisme et l’art abstrait. Zilon a fait ses débuts de façon très anonyme, soit en organisant des soirées de dessin dans des édifices abandonnés, qu’il appelait des « antigaleries », où il invitait les gens à venir créer en apportant leurs propres instruments. Il n’y avait aucune règle dans ces soirées intitulées « Cocktails graffitis ». Aussi, il ornait de son art les murs des toilettes de clubs de nuit, des ruelles et des cours d’écoles. C’est au courant des années 1980 que Zilon obtient sa première exposition à la galerie Pepsee. C’est néanmoins lorsque les frères Holders le découvrent, en 1986, que tout décolle vraiment pour l’artiste. Avec l’installation « Zilon means bu$ine$$ », qui décorait le club nouvellement acquis, au coin des rues Milton et Saint-Laurent, par les deux frères Holders, l’engouement du public s’est fait ressentir, la couverture médiatique du travail de l’artiste a ainsi débuté.


L’univers Zilonien

Ses personnages aux traits épurés s’avèrent en même temps violents dans leur facture. En effet, la simplicité et la précision des traits de pinceau confèrent aux personnages de Zilon un impact saisissant. Ils sont en quelque sorte devenus l’alter ego de Zilon. Ceux-ci vous regardent avec une patente défiance. Tout comme avec Zilon, on doit appréhender ces personnages avant de parvenir à pénétrer leur bulle.  Leurs yeux en amande arborent un style très manga, malgré que Zilon affirme que cela ne constitue pas une inspiration pour lui. Zilon a toujours incarné cette légende de l’artiste solitaire, bien qu’il aurait volontiers accepté de se joindre à un regroupement si une occasion intéressante s’était présentée à lui. Dans son univers, la musique occupe une place de choix. Celle-ci l’aide à passer à travers les moments difficiles mais est également très importante lorsqu’il crée. Certains types musicaux l’inspirent en regard des couleurs, d’autres des gestes, et ce sont en partie les mélodies qui contribuent à provoquer les élans de sa créativité.




Zilon, nouveau travail à Galerie Station16


Récemment, Zilon a participé au festival MURAL, où il a créé une œuvre monumentale aux allures de bande-dessinée. L’artiste aime beaucoup le fait d’avoir à habiller les espaces qu’il peint. L’improvisation est la clé dans son cas : c’est ce qui fait que les formes s’emboîtent et qui parvient à les relier ensemble au final. On peut admirer le travail qu’il a produit pendant le festival au coin des rues Marie-Anne et Saint-Dominique à Montréal.


Pour Zilon, le respect artistique est primordial, surtout dans le milieu du street art, puisque l’on sait qu’il est très facile pour tous d’esquisser un graffiti par-dessus une œuvre déjà existante. Ceci est inacceptable pour l’artiste, qui prône le respect urbain. Sa façon unique de faire de l’art, son côté à la fois old school et avant-gardiste ainsi que sa versatilité en font une perle rare dans le milieu de l’art urbain québécois.


À suivre…

Prochainement, il exposera à Toronto, au Spoke Club, plus précisément en octobre. Juste avant, il participera à un projet à Paris, au mois de septembre. C’est l’entrée dans une nouvelle ère pour l’artiste, qui est désormais représenté par la galerie Station 16. On parle d’une renaissance, dans le sens où une nouvelle génération d’amateurs de street art aura l’occasion de découvrir son art. Station 16 encadrera l’artiste dans ses idées et ce dernier crois que la galerie lui permettra d’aller plus loin dans son travail. Il assure que son côté plus agressif s’apaisera pour se traduire plus subtilement et de manière plus sophistiquée à travers la maturité qu’il a acquis avec le temps. « Le vieux punk en moi ne meurt pas, il va juste se coucher plus de bonne heure ». Il demeure un artiste des plus authentiques, ce dont il est très fier. Le parcours tumultueux de l’artiste a commencé il y a déjà près de 40 ans, et il n’est pas près de s’achever, il faut donc rester à l’affût de ses prochains projets pour pouvoir entrer dans son univers explosif. 


DJ Zilon



KASHINK : Ornementations Masculines

Posted on June 26, '14 by Station 16.


This years Mural Festival (2nd edition!) in Montreal brought in a variety of talent from all over the world. This year Station16 Gallery chose to highlight one of the festivals international artists KASHINK, with the opening of her first Montreal solo exhibit ; "Ornementations Masculines". This show introduces the theme of men and jewellery, trying to blur the stereotypical line of fashion and accessories in gender. All the pieces in the show depict men in colourful headdress and lavish jewellery, that would more typically be associated to the female gender. Kashink is the true depiction of a living artist, she may very well be the offspring of Keith Haring, Salvador Dali & Frida Kahlo... right down to the small moustache she draws onto her lip every morning. She is one of the most diverse artists we've ever featured in the gallery, showcasing large works on canvas, small water-colour paintings, silkscreen, and collage, all the while completing the biggest wall she's ever painted. Her show in Montreal at Station16 Gallery runs until July 3rd. There is also the chance that she will be painting one of her large cakes (from the "50 cakes of gay" series) in the Montreal Village, but as of now its still in the works. More to come! (written by Adam Vieira)


photo par THIS IS HERD


En plus d’avoir réalisé une gigantesque murale dans le cadre du festival MURAL, s’étant déroulé du 12 au 15 juin 2014, KASHINK fait présentement l’objet d’une exposition solo à la galerie Station 16. L’exposition regroupe des œuvres de grandes, de moyennes et de petites dimensions qui ont intégralement été faites par l’artiste lors de son récent séjour à Montréal. Ses œuvres, telles qu’on peut les observer à la galerie Station 16, arborent fréquemment des éléments organiques tels que des fleurs et des fruits, le tout étant présenté dans des compositions équilibrées et dont les formes s’articulent immanquablement au centre de l’espace. L’exposition solo de l’artiste à la galerie Station 16 propose également deux vases peints par KASHINK, dans lesquels ont été mis des bouquets de fleurs, ceux-ci rappelant brillement les formes affectionnées par l’artiste. On peut aussi admirer plusieurs sérigraphies réalisées par l’artiste dans cette exposition. KASHINK est l’une des rares femmes très actives dans le milieu du street art en France. Elle se démarque par son style très coloré et ses personnages à la double paire d’yeux. On perçoit clairement les influences de différentes cultures à travers son art, ce qui s’explique par le fait qu’elle a beaucoup voyagé dans sa vie. L’artiste est, de surcroît, engagée dans la lutte pour l’acceptation du mariage gay. Elle profite donc de sa notoriété en tant qu’artiste pour appuyer une cause qui lui tient à cœur. "Ornementations masculins" est jusqu'au 3 Juillet à la Galerie Station16. (écrit par Sabrina Desjardins)


Water-colour painting from "Ornementations Masculines" / peinture à l'aquarelle 



Kashink & Station16 silkscreen print, edition of 16. 




Original Painting from "Ornementations Masculines" / peinture originale.



Kashink with "Kashink Cupcakes" by Sweet Isabelle Desserts, during the VIP opening of "Ornementations Masculins"



Kashink Mural in progress during Mural Festival. Photo by THIS IS HERD



True Originals Contest

Posted on June 20, '14 by Station 16.

We’ve teamed up with JACK & JONES Canada on a new and exciting collaboration called 'The Originals Art Contest'. 

JACK & JONES is a Danish denim and menswear fashion brand, that opened retail shops in Canada 5 years ago.  They approached us to be judges for their National Artist Search.

Open to men and women of all ages, the search is for art submissions in various mediums (photo, sketches, graphics, etc) that demonstrate expression and individuality. We are truly searching for the next 'ORIGINAL'.   

This contest is a great platform for new artists to showcase their work. We hope to open opportunities and expose novel and exciting talent.  'The ORIGINALS contest' was launched at the beginning of June, and winds down at the end of next week.

As the contest is coming to an end, we’re excited to go through the submissions from across the country. The lucky winner will have their artwork printed at our silkscreen print shop on 100 JACK & JONES t-shirts, which will be sold exclusively through our online shop. They will also win a $500 JACK & JONES gift card.

It’s not too late to apply,  you may send in your ORIGINAL artwork to, or visit the JACK & JONES Canada ‘ORIGINALS CONTEST’ app page on Facebook for more information.


Le Diamantaire : l’art de surprendre

Posted on June 12, '14 by Station 16.

par Sabrina Desjardins


Le Diamantaire est un artiste français à surveiller lors du festival MURAL, qui se déroulera de 12 au 15 juin prochains. Il s’agit de sa première présence dans un festival au Canada. L’artiste travaille avec des miroirs, qu’il réutilise en les moulant dans une forme de diamant. Le Diamantaire œuvre dans la sphère de l’installation, en disposant ses miroirs moulés un peu partout sur son passage.


Le miroir comme matériau de prédilection

Le Diamantaire utilise comme principal matériau de création le miroir, ce qui est très peu commun, sinon inexistant, dans le milieu du street art. Ce milieu ne regorge pas d’artistes qui font des installations, ce qui ajoute à la singularité de cet artiste. Le Diamantaire affectionne particulièrement la capacité du miroir à réfléchir son environnement, qui varie en fonction des heures de la journée et des saisons. En ajoutant au miroir de l’aérosol coloré, ce qui lui donne son apparence de diamant, l’artiste annihile la possibilité pour les gens de se regarder dedans. Ainsi, le miroir-diamant conserve comme unique fonction de refléter la ville, en s’adaptant aux changements de celle-ci comme un caméléon. Le miroir confère au diamant plus de profondeur, on a donc l’impression d’être devant un monde parallèle qui se dessine à même le mur où l’œuvre est apposée. Pour Le Diamantaire, l’utilisation du miroir casse les codes du graffiti, puisqu’il s’agit d’un symbole et non de lettrage, ce qui rend ses œuvres accessibles à tous, comme elles outrepassent la barrière de la langue.


Le diamant : un cadeau qui n’a pas de prix

La récupération de matériaux est très importante pour le processus créatif de l’artiste. Dans la société de consommation dans laquelle nous évoluons, Le Diamantaire tente de prouver qu’il y a moyen de réutiliser ce que les gens jettent et même de revitaliser ces objets en les transformant en bijoux.  En plus de récupérer les miroirs dans la rue, il essaie de faire de même avec tous les éléments dont il a besoin pour travailler. Le fait de garder le côté brut des composantes est primordial à la conservation de l’esprit street de la démarche de l’artiste. Parfois, l’usure du miroir témoigne de son passé, de son histoire, ce qui rend l’œuvre du Diamantaire d’autant plus riche en sens. Il estime donc que son approche artistique, par rapport à celle du graffiti, par exemple, est plus douce, comme elle propose un logo minimaliste qui est reconnaissable universellement. Dans un monde où presque plus rien n’est gratuit, Le Diamantaire aime faire don de son art au public et ce, dans l’esprit du street art : les œuvres de ce vaste mouvement se présentent d’elles-mêmes aux passants, sans que ceux-ci mettent les pieds dans un musée ou une galerie.


MURAL et Centropolis

On pourra contempler plusieurs de ses œuvres durant ces quatre jours du festival MURAL. MURAL s’avère à être, pour l’artiste, l’occasion de faire de nouvelles rencontres avec d’autres artistes ainsi que celle de se faire connaître au Canada, en plus de lui permettre de faire des expérimentations sur le plan artistique. Vous aurez aussi l’occasion de rencontrer l’artiste le 14 juin prochain puisqu'il sera à Centropolis à Laval pour un projet artistique. « Nous sommes heureux d’annoncer cette collaboration avec le Diamantaire car elle s’aligne entièrement avec notre volonté de démocratiser l’art, explique Karine Rodrigue, directrice marketing de Centropolis.  L’art de rue, par sa gratuité est accessible à tous et chacun et permet de donner une valeur ajoutée à un environnement urbain comme le nôtre. De plus, Centropolis soutient le procédé du Diamantaire qui n’utilise que des pièces recyclées pour travailler. Ce sont des initiatives écoresponsables comme celles-ci que nous souhaitons encourager. »

Le Diamantaire orchestrera une chasse au trésor comprenant douze diamants à Centropolis ainsi qu’une installation au Spa Orazio. L’artiste, qui souhaite garder l’anonymat, a exprimé son enthousiasme à exposer à Centropolis: « l’art de rue c’est un petit peu comme donner vie à des bâtiments en les sublimant, en leur donnant de l’éclat et de la couleur, je suis heureux d’apporter ma touche créative à Centropolis » explique le Diamantaire. Une carte interactive « chasse aux trésors » sera disponible à la Galerie Station 16 de Montréal où le Diamantaire exposera cet automne. Après MURAL, les œuvres du Diamantaire feront l’objet d’une exposition solo à la galerie Station 16. Par la suite, l’artiste exposera à Paris dès le mois de septembre prochain, ainsi qu’à Zurich en décembre.

En ce qui concerne l’avenir du street art, Le Diamantaire souhaite qu’il demeure des plus créatifs et qu’il continue d’étonner, puisque c’est l’effet de surprise que procurent les œuvres urbaines que l’artiste préfère au sein de ce mouvement. Pour lui, le street art est une passion dont les artistes font cadeaux aux gens, il faut donc l’apprécier à sa juste valeur. 


A Global Street Art Story : SPAIN

Posted on June 06, '14 by Station 16.

Representing Spain is the ever optimistic PEZ (meaning "fish" in spanish). PEZ started painting in 1999 on the outskirts of Barcelona, now his murals (both legal & illegal) can be seen all over the world, with his largest concentration still in Barcelona. He began writing the letters PEZ (“Fish” in English) just because he found a way to mix the letters while depicting the shape of a fish. He was looking for a signature or graffiti tag and do something a bit different to other graffiti writers.

We reached out to PEZ a year back, and touched base with him again while we were in Miami this year for Art Basel. It didn't take long for him to throw his natural enthusiasm into our global print project to represent his home of Spain. His early introduction of caricature into the Barcelona graffiti scene, makes him an important name in street art movement. 

We're proud to present PEZ's print for our first "Global street art story" release. The print goes on sale on Saturday June 7th at 3pm, here on



Pez has travelled through South America (Caracas, Bogota and Lima), Asia (Hong Kong, Singapore, Shanghai, Tokyo, Seoul, Taipei), America (NY, LA, Portland) and Europe (UK, Spain, Hamburg/Germany, Paris/France, etc.).


Street Artist DAIN Brings Glamour & Graffiti To Your Walls

Posted on June 02, '14 by Station 16.

Whose day doesn't instantly become much better when you spot a DAIN piece of art on the street?  Mine improves greatly and I become very happy!  It's that simple.  If you've lived in the city for any length of time you've seen his iconic, beautiful, Hollywood-esque style images, especially around NYC areas of Soho, Tribeca and Williamsburg.  The art-beauty-fashion-like mix filled with collage and bright colors can be spotted a block away.  Today’s his art has been featured in galleries worldwide, including New York, Chicago, Miami, Portland, Montreal, Paris and London.

Imagine my happiness when asked if I wanted to interview DAIN:  I was honored to meet and speak with him about his art, process and whatever else I could learn about the elusive artist.  



Born in Brooklyn, New York, DAIN combines glamour and grit brilliantly.  He features iconic black and white headshots of actresses from the past to present such as favorites Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn to Angelina Jolie, Victoria Beckham and Adele with collage from a variety of media (advertisements, fashion magazines and found images.)   Next comes vibrant spray paint and most recently, painted backgrounds.  Throughout his practice, DAIN manages to balance fine art, contemporary and street art.


First, for the many people trying to find you on Instagram or Facebook, they won't.   Do you think you'll ever partake in social media?

Probably not, I like it the way it is.


You realize you have a huge following and most people use the Dain hastag (#dain) to share your work with other fans via Instagram.  What do you think about your loyal fans who constantly seek out your work on the streets?

I'm always amazed and a little shocked by it.  I really enjoy their photographs.


You were born and raised in Brooklyn.  How did growing up in New York influence your art?

Growing up in New York City is like no other place in the world and I love everything from the sights to the smells and of course the culture and diversity.  Graffiti used to be huge when I was young and now, still is, it has always been a big influence.


As a child you were inspired by graffiti and starting writing yourself.   Now, you are known for your "street art" images.  When did you start doing work in the street?

Yes, I started tagging at a young grade-school age and began wheatpasting around 2007.  I owned a T-shirt, silkscreen type business about ten years ago and had a few friends working on the streets.  I became very intrigued and started exploring wheatpasting then began to join them.  I definitely like to evolve and try new processes and mediums.


I for one, run out to see and photograph your work the minute I see something new has gone up.  I want to get a great shot before it's tagged on.  Does the tagging annoy you?

No! Not at all. On the contrary I only expect it to stay up a short time. If it lasts a month, that's huge.  I actually like when it's written on… doesn't bother me at all!  I don't like it to stay up to long.


What is it like wheatpasting your art on the street to then showing your work in galleries like Station 16, Folioleaf and Avant Gallery?

I love showing work in galleries and hope to do more exhibits in the upcoming future.  The show at Avant Gallery in Miami a couple years back was wonderful.  Whether it be Madison Avenue, Brooklyn or Montreal, I would like to explore a variety of gallery atmospheres who feature not just street art but contemporary as well.  I would like to show again in Europe.


New DAIN silkscreen print by Station16 printshop. 


Can you tell us about your process from beginning to end: from the found pieces to collage to painting?  How does it all come together? 

I generally use black and white photographs of pieces that speak to me, that I just find and like.  Many are Hollywood icons and many I don't even know who the model is.   I particularly like Adele and Twiggy, and also just finding that one anonymous piece that jumps out at me.   It's in the eyes; which is what first grabs me.   I don't have a rhyme or reason to the collaged pieces, they just speak to me and putting those together takes most time.   Once I have my foundation image down I begin choosing colors, painting and layering spray paint.  Collage is the foundation; from there it gets easier.  I'm also concentrating much more on painting now, evolving my pieces.  I really just love that old Hollywood glam look from the 40's and 50's, especially the fashion, when women dressed iconic and beautifully.  They didn't show much skin and didn't have to.  You'll notice my pieces are tasteful and the women are not revealing.   I like mixing the fashion of men's suiting with a beautiful face for example.  Women were beautiful with their clothes on and classic films and images made you think.  You had to use your imagination.


What inspires your work?

A great found image of inner beauty and class.  Plus to me, it's all in the eyes and lips and it doesn't matter as much what she is wearing.  And, I enjoy a normal figure with chic clothing.  The eyes say it all and inspire me!  The rest comes together around that.


Since the fist time I saw your work years ago, I felt fashion influence...

Kind of, and I like exploring classic, iconic fashion in my work.


The circle and drips around one eye are almost like a trademark on many of your pieces, can you tell us about that? 

No, it's just something I like.


The work you've done in 2014 seems to be even more evolved, can you tell us about the new pieces?

The new work, I feel is, yes, more evolved and I'm using much more color and backgrounds.  Before it may have been more collage, black and white and some color on a white surface. Now I'm really focusing more on painting.  I feel I'm just now scratching the surface. I'm just now getting started.  I look forward to see how this direction will evolve and what’s going to come next.  It's exciting.


How do you know when a piece is done?  

It must have perfect balance. And now, since I'm focused on color and painting, I continue to add…  It's not done until the last minute and I like the last minute deadline.


Are there any artists, street or contemporary that you particularly admire?

I couldn't name just one, all of them.  I enjoy seeing work on the street, in the galleries and museums when I can.


How do you spend your spare time?

With my family, we love to travel as well.


Where do you see yourself in 1, 5, or 10 years? 

I want to do more shows, create fun and enjoyable pieces and possibly do something with fashion. You never know.  I will continue to do work that doesn't burn me out, but that's enjoyable.


DAIn (above) DeeDee (below)


By Leanna Valente –


Instagrafite Artists

Posted on May 17, '14 by Station 16.



 Instagrafite is the biggest collaborative street art gallery in the world, since 2011, with a social media following with approximately 1 million followers on Instagram. Based in Brazil, Instagrafite promotes and creates innovative projects related to street art, through the use of their online platforms.

For updates on their latest and upcoming projects, follow them on Instagram, RUA, a street art course, or Markr, a mobile app that helps locate street art.




Felipe Yung aka FLIP

FLIP is one of the most famous Brazilian street artists São Paulo.

He is one of the first graffiti writers in Brazil to draw characters without letters in the streets and to work with posters and stickers. His art is influenced by Brazilian urban culture, tags and pixação, and Japanese calligraphy (Shodo), print (Ukiyo-e),

and camouflage.



Rimon Guimarães aka Rimon

Rimon is a self-taught artist from Curitiba, Brazil, who has managed to quickly make a name for himself on the international contemporary art scene. His works are a combination of drawing, performing, video art and street art. His artwork references his childhood, indian and african influences.



Acidum Project

Acidum Project was create by an couple, from Fortaleza (CE) - Brazil, Robézio Marqs and Terezadequinta. Experimenting is the key piece to their urban art. They use a mix of

techniques in their characters such as painting, paste up, stencils, and even audio visual



Nando Sperb


Nando Sperb is from Pelotas (RS), Brazil and has experience in advertising and graphic design, and has worked for more than 7 years as an interactive art director.

Amongst his many art styles, graffiti has proven to be his specialty, and incorporating underground urban culture with digital illustration. Inequalities, manifestos and city life are the three key elements in his art.



Arlin Cristiano aka ARLIN

Arlin has been painting since 2000 in Sao Paulo, Brazil. His style has originated from the relationship with his dad, woodworker; and his professional experience as a Web and graphic designer, that allowed for him to work with digital illustration.





Thales Fernando aka POMB

One of the new generation’s Brazilian artists, Thales aka POMB is a graphic designer that became aware of his talents as a street artist in 2002.Originally from Brasilia, Brazil

he has travelled the world, from Buenos Aires, to his current home, Barcelona.





Posted on May 12, '14 by Station 16.


We first met the instagrafite team last June during the first edition of MURAL (the Montreal mural festival). Since then, we've known that both our creative teams needed to work together to continue pushing art in the streets, and find a way to shorten the 7000km (4300 miles) between our cities! So, beginning May 13th at 2pm EST will releasing a collection of collaborative Instagrafite products! We'll be launching 3 instagrafite t-shirts and 6 silkscreen prints from Brazilian street artists, closely selected by Instagrafite! These artists include Felipe Yung (aka FLIP), Rimon Guimarães (aka Rimon), Acidum ProjectNando Sperb, Arlin Cristiano (aka ARLIN), and Thales Fernando (aka POMB). In our next blog we'll be looking closely at the work of each of these artists, and introducing them and their new prints! 


Arlin (standing in front of his recent mural in Sao Paulo) 


You can follow instagrafite on instagram (@instagrafite), check out their street art course RUA (based in brazil) or Markr (a new app recognizing art in the street). 



123 Klan

Posted on May 05, '14 by Station 16.

123 Klan is a graffiti duo named Scien & Klor. Originally from France, they came together in 1992 and have dominated the graffiti scene ever since. This man & wife couple now live in Montreal, where they continue to work on some of the most impressive contacts coming thru this city. They also continue to travel, creating some beautiful murals in the process. Recently they returned from painting in L.A. alongside Dabs & Myla (another creative couple), they also participated in this years pow-wow Hawaii. 

Dabs & Myla alongside Scien and Klor (123 Klan).


On Thursday May 8th, Station16 Gallery will be presenting 123 Klan's first solo show. We are very excited to be presenting this highly anticipated show, not only because of the huge talent behind these graffiti legends, but also because we are more than just the venue for this exhibit! Station16 print-shop is the official printer for 123 Klan's popular clothing brand Bandit-ism (or Bandit-1$M), and we'll have a number of t-shirts, caps and hoodies from this collection available at the gallery. There will also be a number of framed silkscreen prints, original drawings and paintings on display. We look forward to having you all!

Please RSVP at or call us at 514-849-8016













Make Me Care - ALAN GANEV

Posted on April 09, '14 by Station 16.

This Friday, Station 16 Gallery opens it's latest show "Make Me Care", by collage artist Alan Ganev.  Make Me Care is an exhibition for which Ganev re-appropriated and deconstructed found imagery from previous Life magazine editions (1950's-60's) to capture, in simple visual compositions, the complexity of feelings and emotions attached to meaningful personal experiences. 

Ganev's large scale collages set him apart from most other artists in this genre. By pasting his images both on the street and in decayed buildings, he has transformed vintage advertisement into an anti-advertising campagin. "These images were born from pop culture, but their relation to any consumer product is purposely forgotten, their “smile for the camera” expressions are removed, and their new body language is the only one responsible for delivering the story..." says Ganev.


Ganev has exhibited collaboratively at the Montreal Museum of Fine Arts, the Costa Rica Museum of Contemporary Art and Design and the Contemporary Art Center of Quito. His passion for mural work and public art has also guided the artist to work on projects with EN MASSE in New York City during Armory Arts Week and Miami during Art Basel. In addition, he is an active member of the International WEIRD collage group, exhibiting in cities such as Berlin, Lima, Los Angeles, New York, Montréal, Quito and San Jose.


This is Herd, created this conceptual video to give insight to the artist's thoughts and process.


réZin wine has also created a contest in collaboration with Station16 & Make Me Care, giving you the opportunity to win a choice bottle of wine, along with a limited edition silkscreen print by Alan Ganev. Click the link for details! 

Make Me Care will run from April 11th - April 21st at Station16 Gallery. The show will launch a new silkscreen print and several works on wood. 


Introducing Enzo and Nio

Posted on April 04, '14 by Station 16.
Station 16 Gallery has been a longtime supporter of Enzo & Nio, printing Magritte (Ceci nest pas use bombe) back in 2012. We’ve since presented their Idols and launched a tremendously successful Alarm Pull edition variant for Fountain Art Fair. Today, we would like to introduce you to Magda Coccinella, the person behind the Brooklyn duo’s social media.
I'm responsible for their facebook page, twitter and tumblr. I also search blogs, Instagram and the Internet in general on a mostly daily basis for any E and N related news. I think it was late 2010 when Enzo ( a long time friend) decreed that I would be their social media minion. Back then I was pretty ignorant of the street art and graffiti world so it was a steep learning curve to say the least… like that time I ended up chatting to Futura on Flickr with no clue who he was. Oh the shame. So, why would they choose someone so ignorant of the streets, do I hear you ask? Well Enzo says he chose me because he trusted me, I'm organized and because he knew I'd be dedicated (translation: I'm good at nagging). 
I haven't known Nio for as long and I think he was a little apprehensive at first but I'm pretty sure I've won him over now. 
Anyway! Fast forward to 2014 and I'm street art addicted to the point of road tripping or flying to other cities around New Zealand to attend street art festivals. Did I mention I live in New Zealand? The fact that I can do all this from so far away is pretty amazing. Isn't the Internet grand? The  bonus of doing all this for Enzo and Nio is that I've discovered the work of some amazing street artists from New Zealand and around the world. I've also made a lot of virtual friends half a world away. Thanks Enzo. (he made me write that)
So who are Enzo and Nio? They're long time friends, and one night over drinks (and other nefarious activities) 'Enzo and Nio' - street artists came to be. Ever since they've been adorning the streets with their art which is a peculiar mix of humor, shock, thought provoking beauty and revolutionary thinking. Anything goes. They don't just stick to one particular style, or one particular medium. Stickers, wheatpastes, stencils you name it, they do it. Just two guys, doing what they want on the street. They dislike being pigeon holed or tied down to any one style. Why limit yourself though, when there are so many avenues of creativity to rush headlong down, shouting and laughing? 
From playful messages such as "We might be your dads" or "Enzo and Nio fucked Justin Bieber" to the haunting Future Now Idols to the cynical and political Uncle Sham and the Film The Police just never know what they're going to do next. A couple of my favourites are Bomba and the Future Now Idols. The Idols freak me out a little, they're such a powerful, disturbing contrast. 
Thanks to their own hard work, and that of some friends, they've managed to get up in quite a few places worldwide - such as Barcelona, Montreal, Reykjavik, New Zealand, Australia, Costa Rica, Mexico - as well as all over NYC and many other states in the US.
2014 is shaping up to be their biggest year yet. They're a secretive pair so they don't like broadcasting events or happenings until they're almost doing them but keep an eye out for them. They could pop up in your neighbourhood any day now! 
You can find out more about them on their website: 
Follow them on twitter and Instagram @enzoandnio